"The Revolution Will Not Be Televised" es una obra seminal de spoken word y jazz-funk grabada por Gil Scott-Heron en 1971 que actúa como una crítica mordaz al consumismo estadounidense y a la pasividad fomentada por los medios de comunicación masiva. A través de una yuxtaposición rápida de eslóganes publicitarios y referencias a la cultura pop trivial —como Green Acres o la campaña de Coca-Cola— con las realidades de la lucha negra, Scott-Heron desmantela la noción de que el cambio social puede ser consumido pasivamente, argumentando que la verdadera revolución no será un evento mediático, sino una transformación vivida que requiere una participación activa en las calles y, fundamentalmente, un cambio de conciencia previo en la mente del individuo. A menudo citada como precursora del hip-hop y alineada conceptualmente con la crítica de Guy Debord sobre la sustitución de la vida real por su representación, la pieza perdura como un "kit de supervivencia" cultural que desafía a las comunidades oprimidas a desconectarse de las distracciones corporativas para reclamar su propia agencia política.

"Te recuerdo Amanda" es considerada la obra más universal de Víctor Jara, compuesta en 1968 durante una estancia en Londres motivada por la profunda nostalgia que sentía hacia su esposa, Joan Turner, y sus hijas. La canción relata la historia íntima de dos obreros, Amanda y Manuel, quienes aprovechan un breve descanso de cinco minutos para encontrarse antes de que la sirena de la fábrica los obligue a volver al trabajo y Manuel parta hacia un destino trágico en la sierra. Aunque Jara utilizó los nombres de sus propios padres para los personajes, la pieza trasciende lo biográfico para transformarse en un himno al amor y a la lucha por la dignidad de la clase trabajadora, inmortalizando la frase "la vida es eterna en cinco minutos". Con el paso de las décadas, este clásico de la Nueva Canción Chilena se ha consolidado como un símbolo universal de resistencia y memoria, siendo la composición más versionada del artista por intérpretes de la talla de Joan Baez, Mercedes Sosa y Robert Wyatt.

La canción «Tropicália», compuesta por Caetano Veloso, se erige como el manifiesto estético inaugural del movimiento tropicalista, surgiendo en 1967 dentro de un Brasil fracturado por la dictadura militar y la polarización ideológica entre nacionalistas de izquierda y una derecha conservadora. Bautizada así por sugerencia del fotógrafo Luís Carlos Barreto en referencia a la instalación artística homónima de Hélio Oiticica, la pieza rompió con las estructuras tradicionales mediante una «neo-antropofagia» que devoraba influencias extranjeras —como el rock y la guitarra eléctrica— para fusionarlas con arcaísmos nacionales, desafiando el purismo cultural vigente. Su letra funciona como una alegoría fragmentada y cinematográfica del país, yuxtaponiendo símbolos contradictorios como «la bossa» y «la palhoça» o el monumento moderno y la mulata, para exponer el absurdo y las disparidades de una sociedad bajo una modernización autoritaria, constituyendo una crítica mordaz que trascendía la mera protesta política para proponer una revolución comportamental y estética.

Lanzada en 1966 en el álbum Wild Is the Wind, "Four Women" es una composición emblemática donde Nina Simone, utilizando una estructura musical minimalista que crece en intensidad dramática, retrata cuatro arquetipos de mujeres afroamericanas —Aunt Sarah, Saffronia, Sweet Thing y Peaches— para explorar la interseccionalidad de raza, género y el trauma generacional de la esclavitud. Esta obra surge en un momento histórico crítico, marcando la transición del Movimiento por los Derechos Civiles hacia la militancia del Black Power, una evolución ideológica reflejada en la propia vida de Simone quien, tras el asesinato de Medgar Evers y el bombardeo de la iglesia en Birmingham en 1963, canalizó su furia y su frustración por el racismo sistémico (que incluyó su propio rechazo del Instituto Curtis años antes) transformando su carrera de pianista clásica y cantante de jazz en la de una artista revolucionaria. A pesar de ser censurada en su momento por estaciones de radio que malinterpretaron su crudo análisis de los estereotipos como un insulto, la canción, que culmina con el grito desafiante y amargado de "Peaches", consolidó a Simone como la voz de la resistencia negra y femenina, utilizando su arte no solo para entretener, sino para confrontar a la audiencia con la brutal realidad histórica y exigir la autodeterminación de su identidad.